Монтажер Тони Жоу опубликовал на своем YouTube-канале Every Frame a Painting видео, в котором решил рассказать о творческих, а не технических особенностях своей профессии, и о том, можно ли научиться правильному монтажу.
«Недавно меня попросили описать мой подход к монтажу. Я начал говорить о том, как я организовываю материал и отбираю нужные дубли, но меня остановили: „Нет, расскажи непосредственно о процессе. Откуда ты знаешь, где делать склейку?“ И я совсем не мог этого объяснить. Как и многие монтажеры, я полагаюсь на свои инстинкты.
„Процессу монтажа не должно ничего мешать. Это процесс вашего мышления. Я не монтирую, основываясь на своем знании. Я должен прочувствовать фильм“ — Майкл Кан, монтажер „Парка Юрского периода“
Это справедливо и в моем случае. Я должен продумать и прочувствовать монтаж. Сегодня я хочу поговорить об этом процессе. Как монтажер думает и чувствует?
Первое, что вам надо знать — монтаж сильно зависит от глаз. Глаза сообщают вам эмоцию в сцене. Великие актеры понимают, что глазами они могут передать больше, чем диалогом. Когда я просматриваю материал, то обращаю внимание в первую очередь на такие моменты, когда во взгляде актера можно заметить изменение, например в секунду принятия решения. Эти кадры настолько мощные, потому что они хорошо работают с другими, например при переходе со взгляда персонажа на кадр с тем, на что он смотрит. Это позволяет без слов рассказать, о чем он думает.
Следующую концепцию я понял с трудом: эмоциям нужно время. Когда мы наблюдаем за людьми на экране, мы чувствуем с ними связь. Все потому, что у нас было время посмотреть на их лица до того, как они начали разговаривать, и после того, как они замолчали. Монтажеры должны решать, сколько времени давать определенной эмоции. <…> Четыре секунды могут оказать серьезное влияние на кадр. Некоторые эмоции лучше работают в рамках длинного непрерывного кадра, другие лучше раскладываются на несколько планов».
В качестве примера автор видео приводит отрывки из фильмов «Любовное настроение» и «Империя наносит ответный удар». В последнем Жоу обращает внимание, насколько долго монтажер держит на экране каждый кадр, и указывает, что они становятся все короче и короче по мере приближения к кульминации сцены.
«После пяти кадров мы достигаем пика и начинаем откатываться назад. Кадры становятся не просто длиннее — они длятся дольше, чем было изначально. То есть сцене понадобилось 15 секунд, чтобы достигнуть кульминации, но в два раза больше, чтобы выйти из нее. У зрителя есть время, чтобы прочувствовать неудачу Люка. Что будет, если это время сократить?»
Дальше Жоу показывает похожий пример из картины «Человек-муравей» и спрашивает зрителя, может ли он почувствовать разницу.
«Почувствовали ли вы эту эмоцию? Неудача Скотта заняла тридцать фреймов. Для сравнения, неудача Люка Скайуокера — 30 секунд. Люди не роботы, нам требуется время, чтобы почувствовать эмоцию. Если фильм нам его не дает, мы ему не верим.
„Я начала замечать, что в современных фильмах я многому не верю. Люди просто набрасывают много разных вещей друг на друга и просят вас в них поверить, но не помогают вам это сделать“ — Тельма Скунмейкер, монтажер „Волка с Уолл-стрит“, „Отступников“, „Авиатора“ и других фильмов Мартина Скорсезе.
Сделать историю достоверной невероятно сложно. Тайминг — это вещь несознательная. Это реакция на тот факт, что у каждого кадра есть свой ритм.
„Между историей, способом ее повествования и ритмом есть глубокие отношения. Монтаж на 70% заключается в ритме“, — Уолтер Мерч, монтажер „Апокалипсиса сегодня“.
Иногда ритм очевиден, особенно если актер делает что-то физическое. Но он бывает и скрытым, например, если мы говорим про людей, которые ходят туда-сюда, или о ресторане с поварами и официантами. Этот ритм ближе к тому, что мы сами ощущаем каждый день. На мой взгляд, подобное монтировать гораздо сложнее. Но если раз за разом смотреть на что-то, вы в конце концов почувствуете, когда кадр сам напрашивается на склейку.
Классический голливудский монтаж полностью основан на ритме. Об этом и идет речь, когда говорится, что монтаж — вещь невидимая. Он может произойти так естественно, что его и не замечаешь. Но не всегда нужно стремиться быть невидимым. Некоторые эмоции лучше монтировать так, чтобы они резали глаз, например, если кто-то волнуется. Другие моменты выглядят лучше, если заставить зрителя чувствовать себя некомфортно.
Тельма Скунмейкер: „Иногда Марти советовал нам удерживать кадр чуть-чуть дольше, чем нужно, и только потом делать склейку. Если это, конечно, оправданно“.
Все зависит от того, какую реакцию вы ждете от зрителя: иногда ее можно добиться только при помощи необычной склейки.
Мы дошли до последнего пункта нашего разговора: если монтаж настолько зависит от инстинкта, как ему научиться? Я знаю только один способ: практика.
Уолтер Мёрч: „Монтаж очень напоминает танец: вы можете объяснить его основы, но чтобы научиться ему, нужно танцевать“.
Вам нужно монтировать. В процессе вы разовьете чувство ритма и эмоции. Я занимался этим десять лет и до сих пор учусь. Но когда я раздражен из-за монтажа, я думаю о том, что сказал Майкл Кан: „Что странно в монтаже (возможно, сценаристы и писатели тоже это ощущают), это то, что картина в целом не так важна. Я делаю все постепенно, по одной сцене, одному кадру. На многих фильмах я занимаюсь проблемами по мере их поступления, по одной“
Так что работайте постепенно, по кадру. Потому что, если вы посмотрите на любое изображение, вы поймете, что у него есть эмоция и ритм. И вам нужно почувствовать, где сделать склейку».